Lille-Dicidanse

In Time, chorégraphie : Pal Frenak

Comme à son habitude, le chorégraphe Pal Frenak artiste associé à La rose des Vents, nous livre une pièce toute en fureur et convulsions dans laquelle sexualité et domination, animalité et caractères policés se livrent à différents sketches.

La pièce s’ouvre sur un solo, au sol, debout, devant, derrière, tout autour, le danseur impose d’emblée une présence d’une intensité rare tournant presque à la schizophrénie tant intensité et fluidité du mouvement n’ont jamais aussi bien cohabitées. C’est le couple qui est au centre, celui dans toutes ses combinaisons : la blonde et la brune très cinématographiques, très hôtesses d’accueil. Le couple hétérosexuel déployant une danse de l’empêchement de faire où l’homme est un rempart à la liberté féminine. L’homme avec l’homme, comme toujours chez les entités de Pal Frenak, pris entre sensualité et confrontation virile. Un trio, deux hommes, une femme prise en étau mais toujours prête à renverser la machine dominante et viriliste.

Le corps dans In Time, nous l’avons dit, se fait convulsif. Un corps traversé par de l’énergie pure, des flux, de l’électricité…Sans cela, plus rien, des corps mous, quasi-visqueux, sans organes, oserais-je ? Il y a une fureur qui se dégage des interprètes tandis que le plateau : un espace blanc jonché de roses, d’un canapé rouge et d’un miroir quelque peu déformant constituant simplement la scénographie, trouble par sa quiétude. La musique, le plus souvent électronique avec ses longues plages de sons triturés, bruitistes, raclant aussi bien les oreilles que les corps crée autant que la danse l’expérience d’une fusion entre danseurs et spectateurs.

Pal Frenak a choisi, cette fois-ci, d’utiliser les fondus au noir entre chaque moment de danse, créant ainsi une grammaire quasi-cinématographique tels des instantanés, des négatifs d’un mouvement et de corps dont les fulgurances rappellent la peinture de Bacon. La pièce se clôture sur une forme noire dont la chaire écorchée tente d’apparaître sous la couleur de peau. Le Butô n’est pas loin…La condition humain/animal toujours aussi présente dans l’œuvre de ce chorégraphe trop peu diffusé en France. 

Nicolas Lehnebach  22. 11. 08

http://www.ciepalfrenak.com/

http://www.nextfestival.eu/

à lire également http://lille.letsmotiv.com/NEXT_FESTIVAL_PAL_FRENAK_L_ABSOLU_CORPOREL-1586-mag-theatre-danse.html

Christian Rizzo,

spectacle - Comment dire “ici” ? -

“Mon “ici” sera toujours ton “là-bas”, même lorsque nous serons réunis dans le même espace. Ainsi, avec la distance qui nous sépare, comment dire “ici” ?”, Christian Rizzo
Invité par les danseurs de la compagnie taiwanaise Dance Forum, Christian Rizzo chorégraphie pour eux comment dire “ici” ?, pièce créée et présentée pour la première fois à Taiwan en juin 2008. C’est en France que Christian Rizzo invite à son tour Dance Forum à présenter cette oeuvre, qui combine danse, arts visuels et 3D.
Avec :
Huang Yu-Fen, Wang Hsiu-Hsan, Chen I-Chen, Hung Shao-Ching, Chan Shou-Han, Tai Yu-Hsia, Tseng Ting-Kai

Comment dire ‘ici’ ? - une proposition de Christian Rizzo pour le Dance Forum Taipei  Opéra de Lille, samedi 22 novembre à 20h(15) 
dans le cadre des RésiDanses 

Condensé de village planétaire                  

 A voir se déployer en lignes concentriques, asymétriques et harmonieuses le chœur polyphonique du Dance Forum Taipei, on ne peut qu’admirer la qualité de composition du chorégraphe français Christian Rizzo, grand maître d’œuvre de Comment dire ‘ici’ ? 
Dans cette pièce, tout commence par un tableau immobile : seul en scène, assis sur une chaise, dos au public, une sorte d’officier de police semble scruter mollement un horizon immuable… Puis le mouvement est impulsé et, dans un long souffle continu, la danse des huit interprètes va se déployer et produire une silencieuse symphonie, étrange et fascinante, ponctuée par les corps vêtus de noir : d’abord en séquences parallèles mais dissemblables, dans une musicalité digne de Steve Reich, puis dans un croisement de trajectoires, de perches et d’objets, harmonieusement entrelacés et désenlacés, sans accroches ni ruptures… A aucun moment le mouvement ne suspend son cours, et le regard s’épuise et s’enivre de suivre ses longues lignes claires ciselées par Christian Rizzo… 
Dans cette rencontre avec la troupe taiwanaise, plus habituée aux répertoires traditionnels ou néo-classiques, le chorégraphe français atteint une réelle limpidité, une dimension très épurée qui ne lui est pas si habituelle. La lisibilité de son écriture en est accrue, ce qui la rend plus accessible qu’à l’accoutumée. A dire vrai, la symbiose entre l’auteur et les danseurs semble parfaite, au risque parfois de tourner à vide, comme dans une entente sans aspérités qui serait devenue fade. 
Toutefois Comment dire ‘ici’ ? évite de tomber dans ce piège attendu et ne bascule jamais dans un ronronnement futile : en intégrant à la composition le travail de Iuan-Han Chiang, concepteur vidéo 3D, Rizzo génère de savants contrepoints et de subtiles ruptures de rythme. Les images, mathématiques et architecturales, projetées en fond de scène, viennent en effet parasiter le glissement inéluctable de la chorégraphie des corps. Tant et si bien qu’elles finissent par lui donner sens… 
La coopération dansée qui s’opère au plateau semble en effet appartenir à un dessein plus global, et la composition 3D suggère petit à petit un ordre en marche, comme un monde en construction. Lorsque les interprètes se regroupent finalement devant l’écran pour suivre en silence l’éclosion d’une cité contemporaine soudain surgie de terre, notre regard a basculé dans une autre réalité. L’esthétisme pur s’est interrompu et a cédé la place à autre chose. Bien vite, les danseurs se parent de vêtements très colorés, très occidentalisés ; leur marche en avant semble bizarrement devenir absurde et folle, même si le rythme paraît rester le même. Ces bâtisseurs, dont on pouvait suivre la progression du travail en images, se sont transformés en une armée de playmobils : grotesques et vides de sens, ils finissent en toute logique par s’entasser les uns sur les autres, sans vie, comme des outils jetables. Une élégante, vêtue comme un bonbon exotique et outrancier, fait alors son apparition, traverse le champ laissé libre et paraît jouir de la scène, enfin redevenue calme, comme d’un espace de supermarché… 
Ainsi, en un flux souple et continu, tenu du début jusqu’à la fin, Christian Rizzo parvient à encrer en notre esprit une saisissante et cruelle métaphore de notre monde moderne. Tel un Bob Wilson juste et attentif, il nous présente un condensé de ce monde vertigineux qui se déploie là-bas à une vitesse totalement folle mais qui, au final, se joue aussi ici… 

Marius Moulin 

           Christian Rizzo est parti à Taïwan pour composer cette pièce chorégraphique avec une compagnie locale. Il s’est nourri de leur culture ce qui nous plonge dans un univers particulier.

Go/No go, chorégraphie de David Flahaut, cie Gutta Percha, co produit Latitudes Prod  http://www.latitudescontemporaines.com/DfGng.pdf

crédit Photo Olivier Benoît   

            Coup de gueule! Coup de gueule!

Devant le manque de représentations et de diffusion de la dernière oeuvre de l'un des chorégraphes les plus pointus et intelligents de la région. Go/No go, le titre en est déjà très évocateur. On y va ou on n'y va pas? Qu'est-ce qui nous meut? Qu'est-ce qu'il y a et qu'on ne veut pas voir? La danse que développe David Flahaut dans son spectacle est une danse qui ne se livre pas de prime abord. Il faut rentrer à l'intérieur même des corps pour tenter d'en ressentir toute la mécanique et le propos. 

            Tout commence par la lumière. Des rayons comme filtrés à-travers un prisme diffractant la lumière. Une recherche de l'espace, de la boîte, des cintres vers le sol. La scène devient zone de surveillance, et le public d'en faire partie. Go/no go traite de la barbarie, la nôtre, quotidienne et pourtant ancestrale. Nos chères démocraties, oui c'est bien le moins pire comme dirait Churchill, n'ont jamais réussies à l'effacer complètement. Au contraire, notre barbarie se déploie d'une manière multilatérale, sourde et fluctuante. Pour preuve ce capitalisme des corps, car c'est bien au travers d'eux qu'il déploie ses sphères, ses zones de contact, ses machines de guerre biopolitiques. La pièce de David Flahaut semble partir de ce constat froid, et tellement, tellement angoissant qu'il en est presque devenu invisible. Crise financière mise à part, mais les produits de la faute sont divisés et en deviennent donc impalpables sauf pour les autres avec laquelle elle est implacable.     

        Go/no go est une chorégraphie du surgissement, de la fausse lenteur. L'apparition n'y est jamais épiphanique, elle est déjà présente, avant même la danse. Un espace large et assez profond, un sol recouvert de plaques de plastiques translucides, un cube transparent, et quatre danseurs. Trois hommes et une femme. La barbarie, semble vouloir nous dire Flahaut, c'est une affaire d'énergie et de mouvement où la violence n'est plus forcément sanglante mais contenue dans l'impossibilité de l'arrêt du geste qui se fait destructeur. Le surgissement se fait barbare dans son incapacité à l'arrêt.

              Trois hommes et une femme donc, quatre entités reconnaissables : l'homme nu, le barbare anonyme, l'homme dont le regard est empêché et la femme-témoin. Les premières minutes de Go/no go sont une danse de lumière, danse de surveillance avons-nous déjà dit plus haut. Les rayons finissant par échouer sur les arrêtes du cube transparent. La géométrie et ses systèmes cachés  introduisent au faux-rationalisme à l'oeuvre dans notre société contemporaine, cette abstraction du chiffre roi et déconnecté tous azimuts. Puis, il y a la traque implacable du barbare sur l'homme nu devenu proie, enfermé dans un sac poubelle, il n'est plus qu'un déchet engendré par sa propre société, son propre être. Le spectacle, dont la musique est entièrement partie prenante de la dramaturgie mise à l'oeuvre, se déploie en un long cri muet, hypodermique. Car la danse mise en branle par David Flahaut et ses acolytes, est une danse hypodermique. Une danse de cette forme cachée, substituée au regard pour plonger plus profondément dans la volonté d'un corps dansant et résistant. Le surgissement n'est plus le reflet de la lumière, il est le reflet d'une ombre portée éclairante et questionnante.  

           Cette pièce, loin de se livrer à l'exercice de style, propose ainsi une conception de la danse et de la scène comme territoires de résistances. Le corps y noue et dénoue ses enjeux aussi bien esthétiques que politiques.           

  Programmateurs de tous horizons, c'est à vous! 

Nicolas Lehnebach.

 http://www.youtube.com/watch?v=goHEtLoVEq8